"O abandono da arte '
Byron Smith do The New York Times
O Museu de extensa pesquisade Arte Moderna do trabalho da artista brasileira Lygia Clark influente tem um título singularmente pouco promissor: "Lygia Clark: o abandono da arte, 1948-1988" sinais de uma espécie de decepção, especialmente se você gosta de arte.
Mas uma vez que você trabalhou seu caminho através deste down up-and-reunindo cerca de 300 obras, igualmente montagem e alternativas menos rígidas podem vir à mente, como "a expansão da arte" e "a internalização de arte."
Porque Clark (1920-1988) não abandonar tanto a arte como empurrá-la devagar, meticulosamente e mesmo logicamente - em pequenas pinturas abstratas, pedaços de parede e esculturas flexíveis - para um lugar onde objetos e materiais foram feitos para serem manuseados e espectadores tornou-se participantes, sozinhos ou em grupos. Clark inventou um processo que chamou de "estruturação do self", uma espécie de terapia psico-físico ou processo de cura que também pode ser chamado trabalho de corpo, e por algum tempo no final de 1970 e 80, ela praticou em clientes privados antes revertendo seu "abandono" e voltando-se para a arte nos últimos anos de sua vida.
Um dos mais fascinantes dos trabalhos participativos é capturado em um vídeo granulado em galeria final da mostra, que está pendurado com máscaras, ternos do corpo Hazmat digno e os pequenos objetos de bricolage, excêntricos que Clark elaboradas por seus participantes (e mais tarde seus clientes ), juntamente com as imagens de las em uso. (O meu favorito é um saco plástico com um elástico em torno do seu centro que contém água e um punhado de pequenas conchas, que eu definitivamente quero tentar em casa.) O vídeo retrata "Antropofágico Slobber", que foi promulgada em 1973, por estudantes de Clark na Sorbonne, onde ministrou um curso sobre "comunicação gestual" por vários anos. Uma vez que você conseguiu passar o fator "eeeee-YOU" da descrição desta "proposta sensorial", como Clark chamou, ele é bonito e bastante brilhante.
Então aqui vai: Uma pessoa (escassamente vestidas, diz o rótulo) deita, e vários outros se reúnem ao redor, cada um com um carretel de linha de cor na boca. Eles proceder para retirar e "garoa" o fio, molhado com saliva, sobre o rosto e corpo de seu colaborador de bruços, formando uma rede fina e aleatória de cores diferentes.
Embora você possa ter de ler o rótulo para entender exatamente onde ele está vindo, a delicada teia crescente de fio precipitada pelo círculo íntimo de pessoas, é muito estranho e sugestivo e simplesmente intensa não assistir por um tempo. Ela fascina, sugerindo algum rito antigo, primitivo e profundo, seja de nascimento, batismo, iniciação ou enterro. Nada disso elimina um aspecto sci-fi: Nós também poderíamos estar assistindo o cultivo de uma segunda pele, uma rede de proteção ou uma fiação complexa que o corpo acabará por absorver a ganhar poderes sobre-humanos. (Spider-Man?)
E então, talvez, estamos de volta no eee-lo, a intimidade primordial de transferência do segmento de boca-a-corpo, do suave forçando os participantes em uma experiência coletiva que só eles podem conhecer plenamente. Parece fadado a ser cobrado e fornecer informações valiosas sobre a conexão humana. Quantas pessoas iriam participar com a promessa de tal visão? Quem sabe. Mas pense sobre a velocidade com que você pode realizar respiração boca-a-boca em um estranho ou ajudar um ao dar à luz - como aconteceu recentemente em uma calçada de Nova York - e os tipos de laços que emergem de tais encontros.
Para uma visão mais aprofundada, recomendo a leitura um do Catálogo Mostrar 10 ensaios, em que o artista performático e professor Eleanora Fabião escreve sobre sua própria participação em "Antropofágico Slobber", que vai ser "ativado" por "facilitadores", nas palavras de Comunicado de imprensa do museu, às vezes, sem aviso prévio.
Esta incomum, às vezes cansativo, mostrar às vezes irritante - a primeira pesquisa abrangente de Clark na América do Norte - foi organizado por Luis Pérez-Oramas, curador de arte latino-americana da Moderna e Connie Butler, curador-chefe do Museu de martelo em Los Angeles e ex-curador-geral de desenhos da Moderna. É frequentemente um assunto bastante sombrio, em parte por causa de uma falta de cor. Parece quase como seMoMA está fazendo penitência para o barulhento abandono da retrospectiva Isa Genzken nestas galerias do sexto andar sobre o inverno.
"Lygia Clark" introduz um artista, um pensador e (a julgar por seus escritos no catálogo) a confortavelmente personalidade egocêntrica complicado, régio, que não se encaixa facilmente em qualquer arte ou categoria profissional.Seus primeiros trabalhos tem um perfeccionismo delicada, mas também uma notável falta de sensualidade. Esforços posteriores pode fracasso espetacular e de forma descuidada, mesmo ilusoriamente, como com a peça de instalação risível "A Casa é o Corpo: penetração, ovulação, germinação, expulsão.", De 1968 reverência apresentado por si só, no quarto andar, que consiste em quatro closetlike quartos; o visitante supostamente re-experimenta os processos no título. Como se. "Penetração" é preenchido com balões brancos, enquanto "expulsão" envolve fio pendurado no teto e bolas de borracha no chão.
A carreira de Clark tem uma qualidade de crescimento forçado, em que a viagem é quase mais impressionante do que qualquer uma parada ao longo do caminho. Na verdade, se estende por mais anos no tempo de arte do que o comprimento de sua vida, mas às vezes ela parece parar na repetição, como se ela não podia ser incomodado para desenvolver suas próprias idéias. A linha que passa é uma atração a escala íntima e uma espécie de espaço em espiral em que dentro e fora de se tornar um.
O show é apresentado em quatro grandes galerias, cada denso, com um tipo diferente de arte, como uma série de jardins bem cultivados. Primeiro vem a pintura. Após algumas preliminares de representação capazes, no início de 1950, ela se move para diversas variedades de abstração geométrica, muitas vezes em cores bonitas que chegam de volta ao construtivismo russo do final dos anos 1910, bem como Klee e Mondrian, este último um artista admirava o suficiente para resolver em uma carta imaginária reimpresso no catálogo: "Você está mais vivo hoje para mim do que todas as pessoas que me entendem, até um certo ponto." Essas obras qualificou para ser membro da auto-consciente avant-garde grupo neoconcreto, que também incluiu Hélio Oiticica , um pintor mais jovem e amigo de longa data com interesses semelhantes em inatividade.
As pinturas, em seguida, tornar-se cada vez mais físico, e as linhas de incisão começam a se inclinar na diagonal, levando a uma segunda galeria, onde uma série de bloqueio composições em preto-e-branco são investigados quase ad nauseam em obras que estão muito em sintonia com os de Josef Albers e Ellsworth Kelly. Logo, Clark está fazendo trabalhos semelhantes em metal, o que lhes permite ser moldado e os aviões preto e branco para ângulo para fora, o que finalmente leva Clark para o espaço real.
Clark tinha falado sobre isso por um tempo. Em 1956, ainda um pintor, ela deu uma palestra em que abordou a importância do espaço da mesma forma que minimalistas que alguns anos mais tarde.
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A terceira galeria é dominado por suas obras mais conhecidas, as pequenas esculturas de metal encantadoramente com o nome "Bichos" ("Bichos") e os esforços relacionados 1960-63. Feito de alumínio principalmente recorte, os seus planos geométricos são articulados juntos e dobrar em vários arranjos - uma forma de pós-minimalismo antes do fato. Três cópias estão disponíveis para manipulação, o que é divertido. Assemelham-se brinquedos para adultos visualmente orientados que poderiam ser facilmente vendidos em loja de presentes da Moderna. Por isso, é um pouco confuso para ver a partir de fotografias do catálogo que Clark também considerados alguns deles modelos para imensas, genéricos esculturas públicas.
Não deve ser esquecido são duas vitrines que passo fora do fluxo cronológico e contêm alguns dos trabalhos mais gratificantes no show: estruturas minúsculas feitas de caixas de fósforos colados em configurações empilhadas pintadas principalmente brilhante vermelho ou azul. Estas estruturas compartimentadas, a partir de 1964, quando Clark estava chegando longe de objetos, podem ser planos para casas ou móveis.
A galeria final vem como um alívio, mesmo porque a angularidade hard-edge de muito do trabalho anterior cede, dando lugar a materiais maleáveis moles que predominam nos objetos improvisados usados freqüentemente em seu trabalho terapêutico. Envolvendo bolas, luvas de borracha e máscaras, eles muitas vezes se assemelham refugiados de surrealismo, mas, principalmente, sugerem que Clark havia atingido um lado de sensibilidade que ela não viveu o suficiente para se desenvolver plenamente, dentro ou fora da arte.
O catálogo acrescenta muito para o show, mas não o suficiente. Os ensaios, apesar de interessante, tendem a enfocar e fetichizar aspectos da realização de Clark, quando alguém precisava de puxar para trás e dar uma melhor noção da mulher e de sua vida para o leitor em geral. A cronologia, geralmente uma visão confiável de vida e trabalho, é em grande parte uma lista de exposições em forma de prosa. No parágrafo do ensaio de Ms. Fabião abertura, ela menciona que Clark, que nasceu em Belo Horizonte, foi um membro de uma família aristocrática muito bem-off. Isto deixa-nos a pensar como a riqueza da família afetou sua vida, que inclui períodos em Paris.
Felizmente, o catálogo inclui exemplos de escritos e cartas de Clark, que apresentam um espectro bastante completo, a partir de momentos de narcisismo ("Eu estou me sentindo tão bem que quando eu acordar meu corpo me agradece") a Nova Era Mumbo-jumbo para muito astuto avaliações do seu trabalho e que de artistas como Albers e Jackson Pollock, a quem ela viu, com razão, como antecedentes.
Esta exposição é muito mais fácil de passar com a condução de Clark, mercurial, às vezes pioneiro inteligência sussurrando em seu ouvido.
